Más Radiocarbono en la web

El espacio de Radiocarbono que se va construyendo desde un principio como sistema de radio a la carta, mediante podcasts y archivos con trabajos de radioarte y otros, tiene desde abril de este año, una programación semanal a través de radio analógica por Radio Nacional Santa Rosa. El ciclo, que finaliza en noviembre, cuenta con el auspicio de la Sec. de Cultura y Extensión de la Universidad Nacional de la Pampa. Se trata de un espacio pensado a modo de experimento con cuatro programas de diferente índole (La oreja infinita, El show de Dj Antonio I, Relatos Fonográficos, Tierra Invisible), pero relacionados con los intereses generales del Carbonoproyecto  a lo largo del tiempo. Salvo los últimos programas de El Show… que se están retrabajando en un proyecto mayor, todos los demás se van subiendo como podcasts a la web después de transmitidos por la radio pública.

He aquí los más recientes disponibles para escucha online (también se pueden descargar a través de sitios como offliberty.com o enviandonos un mensaje), y por supuesto si alguien quiere retransmitirlos solo tiene que comunicarse con nosotros .

La oreja infinita en Octubre comparte escuchas y charla con un invitado especial: Horacio Ferreras desde Puerto Madryn. Música de Gustavo Ribicic, Laurie Anderson, Auris+Gino, Melt Banana y Pere Ubu.

La Oreja Infinita

En esta edición de Tierra Invisible: charla entrevista con Luis Alvarado (Buh Records) y Norberto Cambiasso, productores del compilado Salgan al Sol (Avant Rock en la Argentina del siglo XXI). Suena música de: Fútbol, Las orejas y la Lengua, Ricarda Cometa, Vlubá, Criadero en Seres, Pescadas, Antihéroe, y Alan Courtis.                                                                                                  LOGO Tierra invisible-JulioUna charla con Chuse Fernandez y su proyecto de escuela de radio TEA FM en Zaragoza, España. Se escuchan algunas producciones de radioarte con distintas aplicaciones de la fonografía y un relevamiento sonoro por la ciudad de Zaragoza, llamado Recorridos Sonoros. Todo esto en la última edición de Relatos Fonográficos.

 Relatos Fonográficos Septiembre 2015

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“Intersnauta” en el sur del país, entrevista a Javier Gofin.

Intersnauta es el nombre del proyecto solista de Javier Gofin  fluyendo desde la ciudad de Bariloche. Fue un verdadero placer escuchar su producción sonora y haber tenido un interesante intercambio de opiniones que derivó en esta entrevista. Por otra parte es muy estimulante encontrar artistas que dedican toda una vida a “cuidar la tarea de seguir explorando” en medio de una realidad donde todo sucede y desaparece cada vez más rápido. Son varios los puntos en común y también diferencias que hallé con el Carbonoproyecto y me pareció que nadie mejor que el propio Javier para ampliar y contarnos sobre su enfoque y experiencias. Aquí va:

Fabián Racca  Leía sobre tu actividad, entre 1984-1996 en Villa Gessell y posteriores en Bariloche, como baterista en grupos de rock, jazz, reggae, funk entre otros, y si bien la idea de “fusión” aparece ya como experimentos rítmicos, pareciera que el interés por la música experimental más definida se acentuó en algún momento de tu etapa en el sur. ¿Me podrías contar cómo se dio ese proceso, a través de qué experiencias? ¿Pensás que el hecho de vivir en ese lugar del interior influyó para el desarrollo de tus experimentos sonoros?

 Javier Gofin – Es algo complejo de explicar pero podríamos definir dos etapas de un mismo proceso. Antes de mudarme al sur viví principalmente mi actividad como Baterista donde tuve la posibilidad de aprender la rítmica base que me sirvió para el desarrollo hacia otros estados sonoros que casi de manera inconsciente tenía instalados en mi curiosidad. En el Sur, descubrí un lugar con mucha diversidad artística, entonces mi situación de Baterista continuó un proceso acelerado hacia el Músico Baterista, que no es lo mismo. Conocí músicos interesantes con una visión diferente, en Bariloche, y por el momento la Fusión era lo experimental. También iniciaba la aventura de manera personal estudiando el concepto de experimental a través de un teclado con el que desarrollaba estructuras sonoras no convencionales. El sur montañoso, como otros tantos lugares, tiene algo que no se puede describir, lleva a la introspección y esto es un ingrediente extra para situaciones Artísticas, y la Estepa Patagónica es un espacio increíblemente sonoro desde este concepto, viviendo estos paisajes es casi inevitable para quien tiene la sensibilidad…oír cierta música en su interior. Luego de un hermoso proceso de gran actividad y continuo aprendizaje hacia el 2000 me corrí de la fusión definitivamente y mi interés por lo experimental terminó de despertar. Mi inquietud como Baterista se amplió hacia el lugar de percusionista, ejecutante de generadores de sonidos, con investigaciones que surgieron en la formación de un laboratorio principalmente de improvisación a cargo de un compositor experimental local. En este lugar hubo mucha música que me influyó, convencional y no convencional, músicos locales con los que toqué y comprendí conceptos musicales que cerraron básicamente, por decirlo de alguna manera, las ideas sonoras que en esos momentos me motivaban. Luego del 2003 comencé una nueva etapa donde me encuentro principalmente en total libertad sonora y en soledad para desarrollar finalmente una visión personal sobre lo experimental, ampliando conceptos, métodos, etc, etc…

Sí, vivir en el Sur influyó y se abrieron muchas puertas a un universo musical cercano al que yo me imaginaba.

 FR-¿Pasaste por alguna instancia de educación formal en música o todo tu trabajo es autodidacta?

 JG – Tengo en mi historial… dos clases de batería regaladas (porque no las podía pagar… jajaja!) y luego el laboratorio de improvisación experimental con O. Vásquez (año 99, 2000), que creo… fue una idea grupal… éramos 3, un violinista y guitarrista (eléctrica), otro guitarrista que incursionaba en medio del trabajo en el teclado y yo tocando generadores de sonido y percusión, esto duró 3, 4 sesiones. Sí, definitivamente mi trabajo es autodidacta… y está en todos esa capacidad… pero bueno… a mucha gente esta palabra o condición la asusta!… un académico fana diría – ¡socorro aprendió solito!… ¡no lo puedo comprender!…- y esto pasa no sólo con el Arte.

 FR-¿Qué compositores, improvisadores, ideas u obras contemporáneas forman parte de tus influencias o con los cuales sentís alguna identificación o puntos de contacto?

 JG – Bueno… no se pueden dejar de nombrar a John Cage, Juan Carlos Paz y Mauricio Kagel, ellos son más bien escuela, pero mis influencias son diversas y eclécticas: King Crimson, Zorn, Música aborigen original (OJO! no folklore), sino la música nativa, música raíz, la más pura que pueda encontrar, de culturas como la japonesa con la potencia de los KODO y sonidos sutiles, Mbya guaraní en nuestro país, africanas con su percusión con estructuras únicas ancestrales y en lo arábigo la sonoridad especial de voces e instrumentos de cuerda y otras tantas culturas. En estas músicas raíz encuentro una visión espacial sobre el sonido, no se trata de notas, son mas bien una representación de un estado vivencial, son imagen y sonido. También Bjork, Uakti, E. Sharp, Y. Tersen y otros. Pero considero que la música aborigen que nombré es mi influencia principal actual, hay algo en ella que me llama profundamente la atención, porque es mucho más de lo que se puede oír, me despierta sensaciones inspiradoras, tienen ingredientes que no existen en otras expresiones.

 FR– Escuchando tus discos encuentro una gran libertad compositiva donde los sonidos ocupan lugares muy definidos en el tiempo y todo muy bien grabado por más que sea de forma casera. Sin embargo definís tu trabajo como sound art precario. ¿En qué sentido considerás que esto es así?

 JG – Sound Art Precario es un concepto físico, una manera de incluir la precariedad de los generadores de sonido que utilizo, más la batería, un único barato y humilde micrófono y una Tascam vieja que grababa en casette y le sumamos también para cerrar el cuadro, el hecho de  que grabo el material donde puedo y dé, la comodidad. La calidad final es casi lo que quiero pero se plasman las ideas noblemente.

 FR– Me gustaría saber un poco sobre tu proceso creativo, ¿cómo es, qué lo dispara, es una práctica diaria, qué rol tiene la improvisación en los resultados finales?

 JG – La improvisación y el oído son lo principal, la organización es lo que sigue. El proceso es simple, no es algo diario, va madurando y un día aparecen ciertas claridades por algún sonido o inclusive situaciones e imágenes que hayan despertado a nuevas ideas o quizá a incursionar en algo que va tomando forma a partir de su aparición. Dejo que este proceso se realice con naturalidad y a su tiempo, sino no sale nada. Generalmente nacen muchas propuestas a la vez que organizo y sigue el proceso de elaboración. O sea, busco comprender hacia dónde me lleva lo que voy tocando, escuchando y grabando, mezclando primero mentalmente cada pieza y analizando detalles, hasta escuchar y encontrarlo casi cerrado (es un proceso que sostengo mientras desarrollo mi vida cotidiana) para luego mezclarlo en un programa digital simple. Esto puede durar días o meses, hasta lograr 8, 10 piezas con una forma determinada para terminar de pulir. Siempre intento armar conceptos en cada grupo de composiciones nuevas, entonces decido por ejemplo que todo sea acústico o crudo o que tenga algún mínimo efecto digital o ambiente determinado. Pero como suelo ejecutar los instrumentos y generadores de sonido de manera particular y ellos tienen sonidos especiales, últimamente quiero que eso tenga mucho valor como el resto de todo lo que se puede escuchar en cada track.

 FR-Incursionás también en los sonidos terapéuticos con el uso de cuencos sonoros, ¿cuál es tu relación e interpretación de este enfoque actualmente?

 JG – Utilizo poco los cuencos en estos últimos trabajos, pero los uso a diario de manera personal como un modo de conectar con la vida de otra manera, es un sonido especial que modifica aunque no nos demos cuenta. Estuve dando sesiones de meditación con Cuencos sonoros grupales e individuales, es un estado muy especial y recomendable como método sanador y de apertura hacia otra forma de pensamientos. El sonido en todas sus versiones modifica todo silenciosamente… para bien o para mal…

 FR-¿Te ganás la vida con alguna actividad relacionada a tu trabajo artístico? ¿Con qué otros músicos compartís estas inquietudes en Bariloche?

 JG – La vida me la gano con otra cosa, donde a veces aplico (cuando me dejan) algo de arte. En otra época también vendí algunos cuadros de mi autoría, actividad que va paralela a mi desarrollo musical y dediqué un tiempo a dar clases de batería pero ya dejé de dar tantas explicaciones… jaja!. Ultimamente no estoy en contacto con músicos con los que pueda compartir mis ideas sonoras, es muy personal esta etapa que estoy viviendo y estoy por ahora bien así. Ya volveré al tema… cuando aparezcan las personas adecuadas para algo nuevo que llame mi atención.

 FR– ¿Cómo ves la receptividad hacia la música experimental en el interior comparado a las ciudades como Buenos Aires, por ejemplo?

 JG – La música experimental, lamentablemente, se esta bastardeando, hay una confusión entre lo experimental y lo “raro sin sentido y sin propuesta diferente” (término discutible), se está estandarizando como justamente no tiene que suceder. La recepción en Buenos Aires creo que está estandarizada, la globalización tiene sus pro y sus contra… Lo que logro escuchar es más de lo mismo. En el interior, presiento que todavía lo comercial no arrasó con todo pero no nos descuidemos… En Bariloche por ejemplo viví una época de gran diversidad y había lugares dispuestos a mostrar Arte experimental y gente hambrienta de escuchar algo diferente, pero actualmente las cosas ya no son así. Y los que no caímos en la hipnosis estamos mas bien recluidos a continuar la tarea.

Intersnauta: Intersticios y navegante. 

JG – Siempre tengo una visión integral de la música, ésta se compone no sólo de sonidos mezclados sino de ambiente, de estados, imágenes y otros tantos aspectos (los intelectuales de la música no piensan lo mismo), esto también amplía en mi caso lo que Intersnauta quiere contar.

Y acá viene, para algunos, lo conflictivo!

Estamos invadidos y mal acostumbrados a escuchar música (entre”) que nos dice que pensar, que cantar, como movernos y hasta cómo tocar en nuestros instrumentos, las academias programan, técnica e intelectualmente a personas para que se expresen de determinada manera, y hacer lo que les enseñaron perfectamente. Muchos terminan siendo grandes músicos y los mas curiosos en un intento de abandonar lo aprendido en busca de otra visión sonora, sin elementos, comienzan la aventura de lo experimental y la decisión de seguir con un mapa sin caminos o volver… el miedo puede engañarnos, el ego y los prejuicios, cómodos y acentuados lucharán contra lo desconocido. Con constancia y convicción podemos dibujar en la arena a orillas del mar sabiendo que una ola borrará lo hecho.

Abandonar lo aprendido para conectar con lo propio de cada uno, es un paso hacia la libertad compositiva, estética y sonora… y porqué no… en todas las expresiones artísticas.

Estoy convencido que existe una música diferente por cada ser humano, el “ser un músico” no existe, existe la necesidad de expresarnos y la expresión es comunicación, conectar con otro, solo decidimos como y con que, entonces nos ubicamos en algún lugar con nombre para comenzar siendo algo claros y nos presentamos, -“yo soy músico”- … que es sólo un título.

Lo experimental es la experiencia, eso que y como dibujamos en la arena a orillas del mar.

Todo fue experimental alguna vez, practicar arte experimental no sólo es romper reglas establecidas, es proponer, no algo más…no alternativo… es una actitud y punto de vista.

(octubre de 2012)

En este sitio podrán acceder a escuchar y/o descargar algunos materiales:

http://intersnauta.wordpress.com/

Antología de ensayos sobre Deep Listening (entrevista con Monique Buzzarté)

(scroll down for English version)

El 31 de mayo y en el marco de las celebraciones por el cumpleaños nro. 80 de la gran compositora Pauline Oliveros, se presentó esta antología que recopila distintos enfoques, desarrollos artísticos y educativos relacionados a la práctica y concepto de escucha profunda. El libro incluye trabajos realizados desde distintos lugares del mundo, y tuve el honor y el placer de ser convocado por los editores para proponer un ensayo que finalmente atravesó el proceso de selección y edición y forma parte de la antología.

Hay mucho escrito sobre la obra e ideas de Pauline, basta con asomarse al sitio del Deep Listening Institute  por ejemplo. De mi parte solo puedo decir que el haber mantenido un intercambio intermitente pero sustancioso con ella a través del tiempo y la distancia, fue un gran aliento para continuar con mi trabajo, en el cual estas prácticas fueron creciendo y cambiando naturalmente en sintonía con los cambios y circunstancias de la vida.

Si bien son muchas y variadas las resonancias que abarca el deep listening, algo que seguramente descubrirán en esta antología, es fundamental su propuesta de escuchar más allá de la superficie y los prejuicios. Esto ubica a la escucha como parte de una comunicación humana trascendental, un puente que atraviesa las diferencias sociales y culturales, conectándonos como personas, con todo lo que ello implica en cuanto a potenciales a explorar individual y colectivamente.

Como el objetivo de este post es colaborar en la difusión de este reciente compilado de ensayos, me pareció oportuno realizarle una pequeña entrevista a uno de sus editores, Monique Buzzarté (Trombonista y compositora de reconocida trayectoria internacional, más info en: http://www.buzzarte.org) quien junto a Tom Bickley (performer, compositor, maestro, más info en: http://about.me/tombickley), realizaron un excelente e intenso trabajo. (Transcribo a continuación la entrevista con Monique)

(Fabián Racca)

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FR– ¿Podrías describir un poco cómo surgió la idea de la antología  y cómo se llevó a cabo el proceso de convocatoria y selección de autores?

MB– Pauline se puso en contacto conmigo a mediados de agosto de 2010, preguntándome si estaba interesada en la edición, sobre una base voluntaria, de una antología de ensayos sobre Deep Listening [en adelante también escucha profunda]. En ese momento yo estaba en Perú, pero cuando volví a Estados Unidos avanzamos en el intercambio y acepté. Hice circular un correo electrónico con una convocatoria de propuestas, o resúmenes, tanto para la comunidad de Deep Listening (a través de la lista de correo electrónico y mensajes de correo electrónico DeepL a todos los titulares de certificados de Deep Listening) como para la comunidad musical en general. Además, Pauline proporcionó una lista de gente a la que sugirió que contactara directamente para invitar a presentar propuestas. En total, se recibieron 38 propuestas de autores que residían en 8 países. Todas las propuestas de ensayo, o los resúmenes, fueron leídos por cuatro revisores, y por mí también, y los evaluadores brindaron devoluciones sobre los ensayos, junto con sus recomendaciones de publicación. El proceso de aceptación se fue escalonando: algunas propuestas fueron aceptadas directamente; para otras, le pedí a los autores que mejoraran sus propuestas (en la mayoría de los casos para centrarse en el Deep Listening mismo mas que en Pauline Oliveros); y en algunos pocos casos le pedí al autor que lo escribiera en la forma actual así lo podía considerar en su forma final. 23 autores completaron todas las fases del proceso editorial, y es su trabajo el que aparece en la antología.

FR– En tu opinión, cuáles serían las principales aportaciones de esta práctica tanto en la producción artística y en la educación en general?

MB– Pauline describe al Deep Listening como la experiencia de conciencia aumentada del sonido, el silencio, y el sonar, y cita como ventajas de Deep Listening cosas tales como la conciencia expandida del tiempo y el espacio, la relajación que apoya la actividad musical, una expansión del sentido del humor, la disolución de los viejos límites y la apertura a nuevas formas.

FR– Ustedes dos [MB y Tom Bickley], como editores, han estado en estrecho contacto, a través de un arduo trabajo, con diferentes enfoques y autores que compilaron la antología, ¿qué crees que esta experiencia te ha dejado?

MB– La edición fue una experiencia nueva para mí, y me pareció interesante trabajar con los autores para aclarar su significado y la intención, conservando sus voces individuales. Los primeros borradores de los ensayos variaron ampliamente, algunos fueron presentados en su forma pulida, mientras que otros estaban todavía como trabajos en elaboración, y fue en ese momento cuando me di cuenta de que el equipo editorial necesitaba ser ampliado. Conocía a Tom Bickley y su trabajo en la comunidad de Deep Listening desde 1998, y habíamos trabajado juntos como co-curadores de uno de los conciertos de Deep Listening Convergence en junio de 2007, así que lo abordé para pedirle que se uniera a mí y me encantó que aceptara.

FR– Si bien esta publicación confirma el alcance y la influencia del concepto desarrollado por Pauline Oliveros, ¿crees que proporciona elementos que de alguna manera expandan la idea o la práctica de la escucha profunda en el futuro?

MB– Uno de los objetivos de esta publicación fue consolidar algunas de las infinitamente variadas aplicaciones del Deep Listening. Cada persona que se dedica a estas prácticas aparece con experiencias individuales únicas, experiencias que continúan desplegándose y expandiéndose a través del tiempo, hacia aquellos individuos así como otros cuyas vidas ellos tocan.

********************** ENGLISH VERSION ********************

On May 31 and as part of celebrations for birthday no. 80 of the great composer Pauline Oliveros, this anthology was presented. It gathers different approaches, artistic and educational developments related to the practice and concept of deep listening. The book includes works made from different parts of the world, and I had the honor and pleasure to be called by its editors to propose an essay which finally went through the process of selections and edition and is part of the anthology.

There is much written about the work and ideas of Pauline, just look out to the site of the Deep Listening Institute for example. For my part I can only say that having an exchange with her that was intermittent but substantial over time and distance, was a great encouragement to continue with my work, within which these practices grew and changed according to life circumstances.

While there are many different resonances covering deep listening, which readers will surely find in this anthology, its proposal of listening beyond the surface and prejudice is crucial. This places listening as part of a transcendental human communication, a bridge that crosses social and cultural differences, connecting us as human beings with all that this implies in terms of potentials to explore either individually and collectively.

Since the purpose of this post is to contribute to the dissemination of this recent compilation of essays, it seemed appropriate to me to perform a short interview to one of its editors, Monique Buzzarté (trombonist and composer of international renown, more info at: http:// www.buzzarte.org) who along with Tom Bickley (performer, composer, teacher, more info at: http://about.me/tombickley), did an excellent and hard work.

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FR– Could you please describe a bit how the idea of the Anthology came up and how did the process of recruiting and selecting authors take place?

MB– Pauline contacted me in mid-August 2010, asking if I would be interested in editing, on a volunteer basis, an anthology of essays on Deep Listening. At the time I was in Peru, but when I returned to the states we corresponded a bit more, and I accepted.   I circulated by email a call for proposals, or abstracts, both to the Deep Listening community (through the DeepL listserv and emails to all Deep Listening Certificate holders) and to the broader musical community.  Additionally, Pauline provided a list of people that she suggested I contact directly to invite to submit proposals. In all, 38 proposals were received from authors residing in 8 countries. All the essay proposals, or abstracts, were read by four peer reviewers as well as myself, with the peer reviewers providing feedback to me on the essays, along with their recommendations for publication. The acceptance process was staggered: some proposals were accepted outright; for others, I asked authors to refine their proposals (in most cases to focus on Deep Listening itself rather than Pauline Oliveros); and in a few cases I requested that the author write the actual essay so I could consider it in its final form. 23 authors completed all phases of the editorial process, and it is their work that appears in the anthology.

FR– In your opinion, which would be the main contributions of this practice in both artistic production and in education in general?

MB– Pauline describes Deep Listening as the experience of heightened awareness of sound, silence, and sounding, and cites as benefits of Deep Listening such things as the expanded awareness of time and space, relaxation that supports musical activity, an expanding sense of humor, dissolution of old limits and opening to new patterns.

FR– Both of you [MB & Tom Bickley], as editors, have been in close contact, through hard work, with different approaches and authors who compiled the anthology, what do you think this experience has left you?

MB– Editing was a new experience for me, and I found it interesting to work with authors to clarify their meaning and intent while retaining their individual voices. The first drafts of the essays varied widely—some were submitted in a polished form while others were still works in progress, and it was at this point that I realized the editorial team needed to be expanded.  I have known Tom Bickley and of his work in the Deep Listening community since 1998, and we previously worked together as co-curators of one of Deep Listening Convergence concerts in June 2007, so I approached him to join me and was delighted when he accepted.

FR– While this publication confirms the scope and influence of the concept developed by Pauline Oliveros, do you think it provides elements that somehow expand the idea or practice of Deep Listening in the future?

MB– One goal of this publication was to consolidate some of infinitely varied applications of Deep Listening practices.  Each person who engages in these practices emerges with uniquely individual experiences, experiences that continue to unfold and expand throughout time, to those individuals as well as to others whose lives they touch.

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Arte sonoro y narcoguerra: proyecto “Warscape Sonata”

#por Fabián Racca

El ampliamente difundido término “arte sonoro” enraizado en el trabajo de radio principalmente, tiene múltiples aplicaciones que cruzan casi todo el espectro de medios audiovisuales, desde el diseño de sonido para publicidad y jingles radiales, pasando por su utilización en la narrativa radial, televisiva, cine, la web, hasta creaciones artísticas conceptuales con distintos fines.
En “Warscape Sonata” el arte sonoro es parte esencial de un proyecto multimedia directamente relacionado a un contexto social y político marcado por la violencia, este es el estado de narcoguerra que se desató en México desde hace unos años. Dicha situación genera el marco de caos ideal para que prosperen los intereses más siniestros, desde una militarización del área, hasta la desaparición y muerte de miles de personas con la excusa del combate a los carteles de la droga. Como es de esperar en estos casos, los medios masivos de comunicación en tanto empresas ligadas al gran entramado económico y político, alientan y expanden el terror y la impunidad en beneficio de los grupos interesados en la continuidad del conflicto. Al medio está toda la complejidad social como en cualquier país del mundo, con actores que también se mueven, no aceptan pasivamente la imposición y el ocultamiento de la verdad, y para ello utilizan los medios a su alcance: uno de ellos es internet. Esta es la base de la cual surge el trabajo de Vlax, quien con herramientas del software libre y su actividad como periodista en la web, construye un mapeo, un relevamiento de esta “resistencia” popular, a la cual se suma con la manipulación y remixado de un verdadero paisaje de guerra, reflejado en las radios, en los videos subidos a youtube por la gente, en las redes sociales etc. Warscape Sonata también pone en evidencia a través del arte sonoro el papel de los medios en el control social, las voces autómatas al servicio del terrorismo enquistado en el poder.
Ahora bien, soy conciente de que desde el lugar donde vivo es difícil acceder a una lectura completa de las implicancias de un trabajo de estas características. Por ello pensé que lo mejor era hacerle una breve entrevista al propio Vlax para ampliar en ese sentido, propuesta a la cual accedió con la mejor energía y transcribo a continuación:

– Me podrías contar un poco en que área se inscribe tu trabajo periodístico y como te relacionaste con el arte sonoro?

El periodismo que yo practico tiene un origen autodidacta y un enfoque comunitario.

Desde hace poco más de 10 años he producido, como reportero freelance, noticias bilingües (inglés, español) para proyectos radiofónicos de perfil comunitario o no comercial, como Radio Bilingue (California USA) ALER y la agencia FSRN entre otros. Mis reportes siempre abordan problemas sociales que son comunes en México y América Latina: impunidad, derechos humanos y violencia de Estado; cultura y autonomía de pueblos indígenas; migración, etc.

De hecho mis primeros momentos de producción radiofónica (aproximadamente en el año 2000) fueron en una radio libre estudiantil donde además de hacer activismo en favor de la educación pública gratuita, gustaba mucho de mezclar grabaciones en cassette que hacía por aquel entonces, con mi voz y música encontrada por internet o grabada de la radio. Así fue como poco a poco fui compilando mis grabaciones y organizándolas temáticamente al tiempo que estudiaba y experimentaba con los formatos radiofónicos.

Siempre ha sido apasionante para mí la naturaleza misma del fenómeno sónico y del silencio. Pero más apasionante es la posibilidad de registrarlos y manipularlos para crear signos de un lenguaje universal. Intuyo que es esta pasión la que de alguna manera define el Arte Sonoro.

Ejemplos de este caminar se pueden escuchar en: http://vlax.dyne.org/radio

– En tu sitio hacés referencia a la población mexicana como atrapada en
medio del fuego cruzado de la narcoguerra, y el uso de los medios
virtuales como una herramienta para la resistencia (o autodefensa) de esa
misma población. ¿En qué medida esto molesta al establishment y qué
implicancias políticas y sociales (en cuanto a organización de
distintos sectores sociales para enfrentar la situación) observás en
estas acciones?

Efectivamente la población civil en México se encuentra atrapada entre fuegos: no sólo son las balaceras, asesinatos y desapariciones de periodistas que son frecuentes y se mantienen en total impunidad, sino que también atrapada frente a la creciente propaganda oficial y paramilitar que fomenta la autocensura y criminaliza la diversidad de opiniones.

Existe hoy un conjunto de leyes draconianas que el gobierno mexicano promueve, como la reciente “Ley de Geolocalización”, por medio de la cual se podrán vigilar y capturar personas usando dispositivos móviles bajo pretexto de combate al crimen organizado y la seguridad. Baste también recordar que existen precedentes de usuarios de Twitter acusados y encarcelados por “terrorismo” luego de que usaron ese servicio para alertar y opinar sobre balaceras.

– En un intercambio de mails que tuvimos recientemente coincidimos en el
riesgo de que estos conflictos se naturalicen en la región, que parezca
que no hay otra realidad posible para México y otros países de
Latinoamérica ¿De qué manera pensás que tu trabajo en Warscape Sonata
aporta en la lucha contra eso que denominas “el poder de la costumbre”?

Existen no pocas voces analíticas dentro y fuera de México que alertan sobre la posiblidad real de que esta narcoguerra sea tan sólo un pretexto de control geopolítico y exterminio de la disidencia social.

Aunque en México nunca se formalizó el modelo clásico de la dictadura, como sí ocurrió en otras partes de América Latina, los sucesos actuales muestran una tendencia acelerada de brutalidad que amenaza con perpetuarse acostumbrándonos a una realidad demoledora: más de 50 mil muertes en 6 años; más de 200 mil desaparecidos; toda la estructura de seguridad infiltrada por narcotraficantes y grupos ultraderechistas; injerencia militar de Estados Unidos; militarización de la vida cotidiana; ejecucución de defensores de derechos humanos; lavado de dinero y tráfico de armas y personas auspiciado por altos funcionarios…

En este sentido veo al periodismo y la creación artística como herramientas de comunicación social y liberación: Warscape Sonata es un tributo, un símbolo, un homenaje que yo ofrendo a las víctimas de esta absurda guerra. Pero también es parte de una investigación documental sobre la colonización de Mesoamérica, y por lo tanto es también una aportación social con valor educativo.

– El proyecto hace especial hincapié en el uso de software libre y de la
cultura del libre uso y circulación de materiales, ¿como pensás que 
influye esto en la producción y distribución de piezas de arte sonoro con respecto a los medios convencionales?

El derecho de autor y la propiedad intelectual que fomenta la industria mainstream se imponen a fuerza de leyes y amenazas. Ese ejercicio cadavérico de la individualidad no es compatible con las formas comunales que se cultivan en América Latina desde siempre. Por lo tanto no es de mi interés cultivar ese modelo de producción sino participar en aquel otro que comparte, se solidariza, distribuye libremente y tiene identidades colectivas. Elegir una licencia como la de “Arte Libre” es un acto político.

Considero que cualquier proceso de transformación social atraviesa necesariamente por procesos de autonomía tecnológica porque de allí se derivan formas culturales y económicas que conllevan un factor fundamental que es La Libertad de Conocimiento y Expresión.

El paradigma del Software y la Cultura Libre muestra precisamente que la tecnología puede generar economías distribuidas con valor social.

-Algo más que quieras contarnos?

Agregar que con Warscape Sonata también exploro maneras colaborativas de financiamiento basadas en una ética del bien común: mi trabajo audiovisual no forma parte de la oficialidad cultural en México ni proviene de mecenazgos corporativos. Por lo tanto no pido donativos sino que propongo retornar, a cambio de cantidades voluntarias de dinero o de servicios, creaciones artísticas del bien común. Esto es lo que se conoce como Naturaleza entre pares (P2P) o Tequio.

Es que las mías son obras culturales surgidas de interactuar, aprender y contribuir con muchas personas y comunidades dentro y fuera de internet, en varios lugares, en varios países, de múltiples maneras. Y es a estas a donde finalmente quiero que regrese esta obra cultural porque esa es su naturaleza.

Por fortuna encontré en el sistema Goteo, una sintonía a este respecto: http://www.goteo.org/project/warscape-sonata/